Until the twentieth century, when composers began experimenting freely with form and design, classical music continued to follow basic rules relating to structure, not to mention harmony. There still was room for individuality―the great composers didn't follow the rules, but made the rules follow them―yet there was always a fundamental proportion and logic behind the design. Even after many of the rules were overturned by radical concepts in more recent times, composers, more often than not, still organized their thoughts in ways that produced an overall, unifying structure. That's one reason the atonal, incredibly complex works by Arnold Schönberg or Karlheinz Stockhausen, to name two twentieth-century Modernists, are nonetheless approachable. The sounds might be very strange, but the results are still decidedly classical in terms of organization.::작곡가들이 형식과 디자인을 자유롭게 실험하기 시작했던 20세기에 이를 때까지, 고전 음악은 화음은 말할 것도 없이, 구조와 관련 있는 기본적인 규칙들을 계속 따랐다. 여전히 개성을 발휘할 여지는 있었지만(위대한 작곡가들은 규칙을 따르지 않고, 규칙이 그들을 따르도록 만들었다), 디자인 이면에는 항상 기본적인 비율과 논리가 있었다. 많은 규칙이 더 최근 들어 급진적인 개념에 의해 뒤집어진 이후에도, 대개 작곡가들은 전체적이고 통일적인 구조를 생산해내는 방식으로 여전히 자신들의 생각을 구성했다. 그것이 20세기 모더니즘 작곡가 두 명을 예로 들면, Arnold Schö- nberg나 Karlheinz Stockhausen에 의해 작곡된 무조(無調)의 매우 복잡한 작품들이 그럼에도 불구하고 접근 가능한 한 가지 이유이다. 그 소리는 매우 이상할지 모르지만, 그 결과는 여전히 구성의 측면에서 분명히 고전적이다.