By the turn of the twentieth century, the permanent repertoire of musical classics dominated almost every field of concert music, from piano, song, or chamber music recitals to operas and orchestral concerts. The change from a century before was enormous. In the eighteenth century, performers and listeners demanded new music all the time, and "ancient music" included anything written more than twenty years earlier. But musicians and audiences in the early 1900s expected that most concert music they performed or heard would be at least a generation old, and they judged new music by the standards of the classics already enshrined in the repertoire. In essence, concert halls and opera houses had become museums for displaying the musical artworks of the past two hundred years. The repertoire varied according to the performing medium and from region to region, but the core was largely the same throughout most of Europe and the Americas, including operas and operatic excerpts from Mozart through Verdi, Wagner, and Bizet; orchestral and chamber music from Haydn through the late Romantics; and keyboard music by J・ S・ Bach, Haydn, Mozart, Beethoven, and prominent nineteenth-century composers. Living composers increasingly found themselves in competition with the music of the past. This is the great theme of modern music in the classical tradition, especially in the first half of the century: in competing with past composers for the attention of performers and listeners who loved the classical masterworks, living composers sought to secure a place for themselves by offering something new and distinctive while continuing the tradition. They combined individuality and innovation with emulation of the past, seeking to write music that would be considered original and worthy of performance alongside the masterworks of earlier times.::20세기로 바뀔 무렵, 음악 고전 작품의 영구적인 레퍼토리가, 피아노, 성악, 실내악 연주에서부터 오페라와 오케스트라의 연주회에 이르기까지 콘서트 음악의 거의 모든 분야를 지배했다. 한 세기 이전으로부터의 변화는 엄청났다. 18세기에, 연주자들과 청중들은 항상 새로운 음악을 요구했는데, '고대 음악'에는 작곡된 지 20년이 넘은 음악은 무엇이든 포함되었다. 그러나 1900년대 초반의 음악가들과 청중들은 자신들이 연주하거나 듣는 대부분의 콘서트 음악이 최소한 나온 지 삼십 년은 될 것이라고 기대했으며, 그들은 새로운 음악을 이미 레퍼토리에 소중히 간직된 클래식 음악의 기준으로 평가했다. 본질적으로, 콘서트홀과 오페라 하우스는 지난 200년 동안의 음악 작품들을 보여 주기 위한 박물관이 되어 버렸다. 연주 매체와 지역에 따라 레퍼토리가 다양했지만, 그 핵심은 유럽과 아메리카의 대부분의 지역에서, 모차르트에서 베르디, 바그너, 비제에 이르는 오페라와 오페라 발췌곡, 하이든에서 후기 낭만파 음악가에 이르는 오케스트라 음악과 실내 음악, 그리고 J・ S. 바흐, 하이든, 모차르트, 베토벤, 그리고 저명한 19세기 작곡가들이 작곡한 건반 음악을 포함하여, 대체로 같았다. 살아있는 작곡가들은 점차로 자신이 과거의 음악과 경쟁하고 있다는 것을 알게 되었다. 이것은, 특히 세기의 전반부에는, 고전 음악의 전통 안에서 현대 음악의 큰 주제였다: 즉, 고전 음악의 걸작들을 애호했던 연주자와 청중의 관심을 얻기 위해서 과거의 작곡가들과 경쟁하면서, 살아있는 작곡가들은 전통을 이어가면서 뭔가 새롭고 독특한 것을 제공함으로써 자신들의 자리를 확보하려고 노력했다. 그들은 개성과 혁신을 과거의 모방과 결합하여, 이전 시대의 걸작들과 나란히 독창적이고 공연 할 가치가 있는 것으로 여겨질 음악을 작곡하려고 노력했다.