Cinema is valuable not for its ability to make visible the hidden outlines of our reality, but for its ability to reveal what reality itself veils ― the dimension of fantasy. This is why, to a person, the first great theorists of film decried the introduction of sound and other technical innovations (such as color) that pushed film in the direction of realism. Since cinema was an entirely fantasmatic art, these innovations were completely unnecessary. And what's worse, they could do nothing but turn filmmakers and audiences away from the fantasmatic dimension of cinema, potentially transforming film into a mere delivery device for representations of reality. As long as the irrealism of the silent black and white film predominated, one could not take filmic fantasies for representations of reality. But sound and color threatened to create just such an illusion, thereby destroying the very essence of film art. As Rudolf Arnheim puts it, "The creative power of the artist can only come into play where reality and the medium of representation do not coincide."::영화는 우리 현실의 숨겨진 윤곽을 보이게 만드는 능력 때문이 아니라 현실 자체가 가리고 있는 것, 즉 환상의 차원을 드러내는 능력 때문에 가치가 있다. 이것이 최초의 위대한 영화 이론가들이 영화를 사실주의 쪽으로 밀어붙였던 소리와 (색채와 같은) 다른 기술 혁신의 도입을 이구동성으로 비난한 이유이다. 영화는 전적으로 환상적인 예술이었기 때문에 이러한 혁신은 완전히 불필요했다. 그리고 설상가상으로 그것들은 잠재적으로 영화를 현실의 묘사를 위한 단순한 전달 장치로 변형시키면서, 영화 제작자와 관객을 영화의 환상적인 차원에서 멀어지게 할 수 있을 뿐이었다. 무성 흑백 영화의 비현실주의가 지배하는 동안은 영화적 환상을 현실에 대한 묘사로 착각할 수 없었다. 그러나 소리와 색채는 바로 그러한 착각을 만들겠다고 위협하여 영화 예술의 바로 그 본질을 파괴했다. Rudolf Arnheim이 표현한 것처럼 "예술가의 창의적 힘은 현실과 묘사의 매체가 일치하지 않는 곳에서만 발휘될 수 있다."