There was nothing modern about the idea of men making women's clothes ― we saw them doing it for centuries in the past. In the old days, however, the client was always primary and her tailor was an obscure craftsman, perhaps talented but perhaps not. She had her own ideas like any patron, there were no fashion plates, and the tailor was simply at her service, perhaps with helpful suggestions about what others were wearing. Beginning in the late nineteenth century, with the hugely successful rise of the artistic male couturier, it was the designer who became celebrated, and the client elevated by his inspired attention. In a climate of admiration for male artists and their female creations, the dress-designer first flourished as the same sort of creator. Instead of the old rule that dressmaking is a craft, a modern connection between dress-design and art was invented that had not been there before.::남자가 여자 옷을 만든다는 생각에는 현대적인 것이 전혀 없는데, 우리는 과거 여러 세기 동안 그들이 그것을 하는 것을 보았다. 하지만 옛 시절에는 항상 고객 위주였고 그녀의 재단사는 무명의 장인이었는데, 아마도 재능이 있었을 테지만 없었을지도 모른다. 그녀는 여느 후원자처럼 자기 자신의 생각이 있었고, 유행하는 옷의 본이 없었으며, 재단사는 아마도 다른 사람들이 입고 있는 것에 관한 도움이 되는 제안을 가지고 그저 그녀의 생각에 따랐다. 예술적인 남성 고급 여성복 디자이너의 매우 성공적인 부흥과 함께 19세기 후반에 시작하여, 유명해진 것은 바로 디자이너였고, 고객은 그의 영감 어린 관심에 의해 치켜세워졌다. 남성 예술가와 여성을 위한 그들의 창작물에 대한 찬탄의 분위기 속에서, 의상 디자이너는 처음으로 같은 종류의 창작자로서 번영했다. 의상 제작은 공예에 불과하다는 옛 규칙 대신에, 예전에는 없던 의상 디자인과 예술 사이의 현대적 연결이 만들어졌다.