Musical performers and their labor union did not perceive early recordings as a threat to their livelihoods because the recordings were mostly of poor quality. It was not long before musicians began to wonder whether recordings of popular artists or songs would undermine the demand for live music. For a time, however, recorded music was too scratchy to pose a serious threat, even though it played in commercial places and offered a few performers a way to supplement their income. Additionally, during the early days of recording, radio stations preferred using live musicians on their programs. Sound from live performances was better quality, and stations at this time rarely used recordings. Broadcasters satisfied union demands for employment and decent wages, because the alterative use of recordings was even less attractive. They made efforts to employ orchestras, bands, and vocalists to perform on radio programs. There was relative balance between live music and technology in the early innovation stages. With increased improvements in electrical recording, however, this balance soon changed.::음악 공연자들과 그들의 노동조합은 초기 음반들을 자신들의 생계에 대한 위협으로 인식하지 않았는데, 그 음반들이 대체로 음질이 좋지 않았기 때문이다. 얼마 지나지 않아 음악가들은 인기 있는 아티스트나 노래의 음반이 실황 음악에 대한 수요의 토대를 침식할까 궁금해하기 시작했다. 그러나 한동안, 녹음된 음악은 상업적인 장소에서 재생되고 몇몇 연주자들에게 자신들의 수입을 보충할 수단을 제공했음에도 불구하고, 심각한 위협을 제기하기에는 긁히는 소리가 매우 심했다. 게다가 녹음 초기에는 라디오 방송국들이 실황 공연을 하는 음악가를 자신들의 프로그램에 활용하기를 선호했다. 실황 공연의 소리가 음질이 더 좋았고, 이 시기 방송국들은 음반을 거의 사용하지 않았다. 방송사들은 고용과 적절한 임금에 대한 노조의 요구를 존중했는데, 이는 (실황 공연을) 대체하여 음반을 사용하는 것이 훨씬 덜 매력적이었기 때문이었다. 그들은 라디오 프로그램에서 공연할 오케스트라, 악단, 그리고 가수를 고용하기 위해 애썼다. 초기의 혁신 단계에서는 실황 음악과 기술 사이에 상대적 균형이 있었다. 하지만 전기 녹음이 점차 개선되면서 이 균형은 곧 바뀌었다.