At the base of the status hierarchy among performers are cover bands, which are often accorded little critical artistic weight. Reliance on someone else's material concedes that you have nothing of your own to say. However, playing covers fulfills aesthetic, educational and economic roles. Some covers take the original recording as a starting point and modify or reinvent it creatively. Bands starting out rely on cover versions for a large part of their repertoire out of necessity, mastering them as part of a learning process. Even 'original' performers will usually play a few covers. The distinction between 'cover' and 'original' is important, since upward career mobility is directly tied to notions of originality. Learning such songs is part of the apprenticeship process in acquiring musicianship through engaging with a musical tradition. An example is the development of 'rock' in England in the 1960s through local bands covering imported copies of American rhythm and blues hits. Cover songs are literally music to the ears of the managers of pubs and the like, as they are tapping into a proven product that the audience can identify with. For each new generation of listeners, a 'good' song is a good song.::연주자들 간의 위계 구조 기저에는 커버 밴드가 있으며, 이들은 흔히 비평적으로는 예술적 무게를 거의 부여받지 못한다. 다른 누군가의 제재에 대한 의존은 전달할 자신만의 것이 없다는 것을 인정하는 것이다. 하지만, 커버곡을 연주하는 것은 미학적, 교육적, 그리고 경제적 역할을 충족한다. 일부 커버곡은 원본 음반을 출발점으로 삼고, 창의적으로 그것을 수정하거나 완전히 바꾼다. 막 시작하는 밴드는 필요에 의해 자신의 레퍼토리의 상당 부분을 커버 버전에 의존하며, 학습 과정의 일부로서 그것을 숙달한다. 심지어 '원곡' 연주자들도 대개 몇 곡의 커버곡을 연주할 것이다. '커버곡'과 '원곡' 간의 구별은 중요한데, 왜냐하면 위쪽으로 향하는 경력 이동은 독창성의 개념과 직접적으로 연결되어 있기 때문이다. 그러한 곡을 배우는 것은 음악적 전통과 관계를 맺음으로써 음악적 기교를 습득하는 수습 기간 과정의 일부이다. 한 가지 예는 미국 리듬 앤 블루스 히트곡의 수입 음반을 커버하는 지역 밴드들을 통해 1960년대에 영국에서 '록'이 발전한 것이다. 커버곡은 펍 등의 관리자들에게는 말 그대로 듣기 좋은 소리인데, 왜냐하면 그들은 관객이 동질감을 느낄 수 있는 검증된 작품을 활용하기 때문이다. 각각의 새로운 세대의 청취자들에게 '좋은' 곡은 좋은 곡이다.